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el cuattrocento

El Quattrocento (en italiano significa

cuatrocientos, por los años pertenecientes al siglo XV, es decir “los años 1400″) es uno de los períodos más importantes del panorama artístico europeo. Se sitúa a lo largo de todo el siglo XV, y es la primera fase del movimiento conocido como renacimiento.

En esta época aparece la figura del artista-creador en detrimento del anonimato. Surge el taller del maestro, que es quien recibe los encargos de los clientes. Este hecho podría sindicarse como el nacimiento de la categoría de autor. El hombre es la obra más perfecta de Dios. Se pinta la figura humana independientemente de lo que represente.

Desde la perspectiva de nuestros cánones estéticos actuales, el arte que se crea en esta época es de mayor “calidad” con respecto al llamado Trecento. En este arte evolucionan técnicas de pintura, consiguiendo la perspectiva; en escultura se vuelve a la imitación de la clásica griega y romana, y con respecto a la arquitectura hay un retorno a las líneas del arte griego y romano. En general este arte es de líneas más puras que su predecesor europeo, el gótico, siendo de menor tamaño y simplicidad

Surgió en el siglo XVIII para denominar de forma peyorativa al movimiento estético que venía a reflejar en las artes, los principios intelectuales de la Ilustración que desde mediados del siglo XVIII, se venía produciendo en la filosofía y que consecuentemente se había transmitido a todos los ámbitos de la cultura.

Sin embargo después de la caída de Napoleón los artistas no tardaron en cambiar sus ideas hacia el Romanticismo y el Neoclasicismo fue dejado.

ARQUITECTURA

La arquitectura puede ser analizada como una rama de las artes social y moral; la capacidad de influir en el pensamiento y en las costumbres de los hombres. Proliferan así las construcciones que pueden contribuir a mejorar la vida humana.Esta nueva orientación hizo que se rechazara la última arquitectura barroca y se volvieran los ojos hacia el pasado a la búsqueda de un modelo arquitectónico de validez universal.

ESCULTURA

GOYA
 
Francisco de Goya y Lucientes (1746 – 1828)

Fue un pintor y grabador español. Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo. En todas estas facetas desarrolló un estilo que inaugura el Romanticismo. El arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la Pintura contemporánea, y se considera precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX.

Acercarse a una pintura más creativa y original, que expresa temáticas menos amables que los modelos que había pintado para la decoración de los palacios reales. Una serie de cuadritos en hojalata, a los que él mismo denomina de capricho e invención, inician la fase madura de la obra del artista y la transición hacia la estética romántica.
Gran popularidad tiene su maja desnuda en parte favorecida por la polémica generada en torno a la identidad de la bella retratada. De comienzos del siglo XIX datan también otros retratos que emprenden el camino hacia el nuevo arte burgués.
Goya anticipa la pintura contemporánea y los variados movimientos de vanguardia que marcarían el siglo XX.

REALISMO E IMPRESIONISMO

REALISMO
El Realismo pictórico, es un movimiento que intenta plasmar objetivamente la realidad. Se extiende a todos los campos de la creación humana aunque tuvo una importancia especial en la literatura.
El realismo consigue la máxima expresión en Francia, casi exactamente, en la mitad del siglo XIX.
Sólo alude a una cierta actitud del artista frente a la realidad, en la que la plasmación de ésta no tiene que ser necesariamente copia o imitación, aunque sí ajustarse a una cierta visión generalizada.
El objetivo del Realismo era conseguir representar el mundo del momento de una manera verídica, objetiva e imparcial. Por lo tanto, el Realismo no puede idealizar.
CARACTERISTICAS
La única fuente de inspiración en el arte es la realidad.
No admite ningún tipo de belleza preconcebida. La única belleza válida es la que suministra la realidad, y el artista lo que debe hacer es reproducir esta realidad sin embellecerla.
Cada ser u objeto tiene su belleza peculiar, que es la que debe descubrir el artista.
Su característica principal es la reflexión sobre la realidad, sin idealizar ni la sociedad, ni la naturaleza, ni el pasado, como lo había hecho la corriente del Romanticismo.
También se caracteriza porque los artistas dejaron a un lado los temas sobrenaturales y mágicos y se centraron en temas más corrientes. Los principales sujetos pictóricos fueron los de la vida cotidiana. Los cambios fundamentales que hacen que se pase del romanticismo al realismo son:
La definitiva implantación de la burguesía olvidándose de la causa de 1789, ya que prefieren saborear los placeres de la vida.
La conciencia en los artistas de los terribles problemas sociales de la industrialización: trabajo para niños y mujeres, jornadas laborales interminables…
Desencanto con los estímulos revolucionarios de 1848, que llevan al artista a olvidarse del tema político y a centrarse en el tema social.

IMPRESIONISMO

Aunque el término Impresionismo se aplica en diferentes artes como la música y la literatura, su vertiente más conocida, y aquélla que fue la precursora, es la pintura impresionista. El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz (la «impresión» visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores pintaban formas con identidad, los impresionistas pintarán el momento de luz, más allá de las formas que subyacen bajo éste. El movimiento fue bautizado por la crítica como Impresionismo con ironía y escepticismo respecto al cuadro de Monet Impresión: sol naciente. Siendo diametralmente opuesto a la pintura metafísica, su importancia es clave en el desarrollo del arte posterior, especialmente del postimpresionismo y las vanguardias.

ARQUITECTURA CONTEMPORANEA

Arquitectura en hierro
Es el nombre genérico de un estilo de arquitectura y construcción del siglo XIX, originado en la disponibilidad de nuevos materiales que se produjo durante la Revolución Industrial.
La Revolución Industrial, que comienza en Inglaterra hacia el año 1760, acarreó numerosas nuevas composiciones hasta entonces ni siquiera soñadas.
El primer edificio construido enteramente con hierro y vidrio fue el Crystal Palace en Londres, una gran nave preparada para acoger la primera Exposición Universal de Londres de 1851, que fue proyectada por Joseph Paxton, quien había aprendido el empleo de estos materiales en la construcción de invernaderos. Este edificio fue el precursor de la arquitectura prefabricada, y con él se demostró la posibilidad de hacer edificios bellos en hierro.
En la arquitectura del siglo XIX destaca un edificio de Henri Labrouste, la biblioteca de Santa Genoveva en París, un edificio de estilo neoclásico en su exterior pero que en su interior dejaba ver la estructura metálica.
Los edificios de hierro más impresionantes del siglo se construyeron para la Exposición Universal de París de 1889: la nave de Maquinaria y la célebre Torre Eiffel (1887) del ingeniero Alexandre Gustave Eiffel.

MODERNISMO

Modernismo es el término con el que se designa a una corriente de renovación artística desarrollada a finales del siglo XIX y principios del XX.
Se trata de crear una estética nueva, en la que predomina la inspiración en la naturaleza a la vez que se incorporan novedades derivadas de la revolución industrial.
Y así en arquitectura es frecuente el empleo del hierro y el cristal. Sin embargo, es igualmente una reacción a la pobre estética de la arquitectura en hierro, tan en boga por esos años.
Democratizar la belleza en el sentido de que hasta los objetos más cotidianos tengan valor estético y sean asequibles a toda la población (socialización del arte), aunque sin utilizar las nuevas técnicas de producción masiva.
 El modernismo no sólo se da en las artes mayores, sino también en el diseño de mobiliario y todo tipo de objetos útiles en la vida cotidiana.

ESTILO INTERNACIONAL
Se conoce como Estilo Internacional a un estilo arquitectónico de la arquitectura moderna, encuadrable dentro de el funcionalismo arquitectonico, que propugnaba una forma de proyectar “universal” y desprovista de rasgos regionales. Comenzó a tomar forma a partir de 1920.
El Estilo Internacional se caracterizó, en lo formal, por su énfasis en la ortogonalidad, el empleo de superficies lisas, pulidas, desprovistas de ornamento, con el aspecto visual de ligereza que permitía la construcción en voladizo, por entonces novedoso.
El empleo de las nuevas técnicas y materiales, como el hormigón armado, permitían también la configuración de los amplios espacios interiores que caracterizaron a los de los edificios del Estilo Internacional.

 

LAS VANGUARDIAS ARTISTICAS HASTA LA ABSTRACCION

EL FAUVISMO
Fue un movimiento pictórico francés caracterizado por un empleo provocativo del color.
Su nombre procede del calificativo fauve, fiera en español, dado por el crítico de arte Louis Vauxcelles al conjunto de obras presentadas en el Salón de Otoño de París de 1905.
 El precursor de este movimiento fue Henri Matisse y ha tenido gran influencia en la pintura posterior con relación al uso libre del color.
El fundamento de este movimiento es el color liberado respecto al dibujo, exaltado de contrastes cromáticos. Los artistas fauves van a jugar con la teoría del color: ésta se va a basar, principalmente, en entender qué colores son primarios, cuáles son secundarios y cuáles son complementarios. Al entender esto, se va a conseguir una complementariedad entre colores, lo que producirá un mayor contraste visual, una mayor fuerza cromática:
Colores Primarios: rojo, amarillo, azul
Colores Secundarios: se obtienen mezclando colores primarios: rojo + azul (violeta); rojo + amarillo (naranja); amarillo + azul (verde).
Complementarios: se entiende por color complementario, el color opuesto a otro: para el verde es el rojo, para el azul es el naranja y para el amarillo es el violeta.
 Parece como si no supieran pintar, como si hicieran sus obras de cualquier manera.
Otra característica de esta pintura es su intención de expresar sentimiento.Esto es importante porque tendrá una percepción de la naturaleza y de lo que les rodea en función de sus sentimientos.
El dibujo será un aspecto secundario para estos artistas, sin embargo, Matisse no se va a olvidar de él. También va a destacar un aspecto decorativo y líneas onduladas.
Defienden una actitud rebelde, de transgredir las normas con respecto a la pintura. Buscan, en definitiva, algo diferente, que les haga avanzar en el ámbito artístico.

 

CUBISMO

El Cubismo tuvo como centro neurálgico la ciudad de París, y como jefes y maestros del movimiento figuraban los españoles Pablo Picasso y Juan Gris y los franceses Georges Braque y Fernand Léger. El movimiento efectivamente se inicia con el cuadro “Las Señoritas de Avignon” (Demoiselles D’Avignon) .- Como elementos precursores del cubismo debemos destacar la influencia de las esculturas africanas y las exposiciones retrospectivas de Georges Seurat (1905) y de Paul Cézanne (1907).
 
 
FUTURISMO
El futurismo se caracterizó por el intento de captar la sensación de movimiento. Para ello superpuso acciones consecutivas, una especie de fotografía estroboscópica o una serie de fotografías tomadas a gran velocidad e impresas en un solo plano. Ejemplos destacados son el Jeroglífico dinámico de Bal Tabarin (1912, Museo de Arte Moderno, Nueva York) y el Tren suburbano (1915, Colección Richard S. Zeisler, Nueva York), ambos de Gino Severini. En el campo de la fotografía destacaron los hermanos Bragaglia y sus imágenes movidas, que ofrecen tiempos sucesivos y trayectoria de los gestos, como en Carpintero serrando o en Joven meciéndose.

DADAISMO
El dadaísmo es un movimiento cultural que surgió en 1916 en el Cabaret Voltaire en Zúrich, Suiza. Fue propuesto por Hugo Ball, escritor de los primeros textos dadá; posteriormente, se unió Tristan Tzara que llegaría a ser el emblema del dadaísmo. Una característica fundamental del dadaísmo es la oposición al concepto de razón instaurado por el Positivismo.
ARTE ABSTRACTO
El arte abstracto es un movimiento artístico que surgió alrededor de 1910 y cuyo propósito es prescindir de todos los elementos figurativos, para así concentrar la fuerza expresiva en formas y colores sin ninguna relación con la realidad visual.

PERFORMANCE
Performance o Arte de acción Performance consiste en una práctica artística que consiste en “representar” o llevar a cabo (generalmente ante un público y en directo) una obra de arte, es decir, considerar simplemente el evento que constituye esta representación como una creación en sí misma.
Entendida de este modo, una performance, puede ser infinidad de cosas en función de cuál sea el acto que se realice. Así, se ha generado lo que se conoce como performance-danza, performance-teatro, performanceplástica, etc, según haga hincapié respectivamente en la representación de una danza, un evento teatral o una creación plástica, pictórica o escultórica. Todas estas categorías, sin embargo, comparten como base el adjudicar una mayor importancia a la realización que a lo realizado.
HISTORIA DE LA MUSICA
musica antigua:

Es aquella en la cual las manifestaciones musicales del hombre consisten en la extereorizacion de sus sentimientos a través del sonido emanado de su propia voz y con el fin de distinguirlo del habla que utiliza para comunicarse con otros seres.
Los primeros instrumentos fueron los objetos o utensilios o el mismo cuerpo del hombre que podían producir sonidos.
La música nace como expresión del hombre enraizado en su tiempo, en la mentalidad y los problemas del período histórico en que vive. Por esta razón, cada época y cada lugar tienen diferentes músicas y distintos gustos musicales.
Las culturas del pasado establecieron la manera de transcribir gráficamente los sonidos mucho después de la invención de la escritura y algunas culturas no conservan ningún testimonio escrito de su música.
En la Antigüedad se creía que la música tenía orígenes divinos. El único dato cierto es que nació con la danza y que ambas formas expresivas estaban estrechamente vinculadas a una dimensión social y ritual. En las civilizaciones antiguas, el hombre formulaba sus propias plegarias a las divinidades utilizando el canto y la música, acompañándolos a menudo con movimientos corporales rítmicos. Hubieron de transcurrir muchos siglos para que la música se desarrollara como expresión independiente del marco religioso.

Arquitectura del Renacimiento o renacentista es aquella producida durante el período artístico del Renacimiento europeo, que abarcó los siglos XV y XVI. Se caracteriza por ser un momento de ruptura en la Historia de la Arquitectura, en especial con respecto al estilo arquitectónico previo: el Gótico; mientras que, por el contrario, busca su inspiración en una interpretación propia del Arte clásico, en particular en su vertiente arquitectónica, que se consideraba modelo perfecto de las Bellas Artes.

Produjo innovaciones en diferentes esferas: tanto en los medios de producción (técnicas y materiales constructivos) como en el lenguaje arquitectónico, que se plasmaron en una adecuada y completa teorización.

Otra de las notas que caracteriza este movimiento es la nueva actitud de los arquitectos, que pasaron del anonimato del artesano a una nueva concepción de la profesionalidad, marcando en cada obra su estilo personal: se consideraban a sí mismos, y acabaron por conseguir esa consideración social, como artistas interdisciplinares y humanistas, como correspondía a la concepción integral del humanismo renacentista. Conocemos poco de los maestros de obras románicos y de los atrevidos arquitectos de las grandes catedrales góticas; mientras que no sólo las grandes obras renacentistas, sino muchos pequeños edificios o incluso meros proyectos, fueron cuidadosamente documentados desde sus orígenes, y objeto del estudio de tratadistas contemporáneos.

PINTURA RENACENTISTA

La pintura renacentista abarca el período de la historia del arte europeo entre arte de la Edad Media y el arte barroco. La pintura de esta época está relacionada con el «renacimiento» de la antigüedad clásica, el impacto del humanismo sobre artistas y sus patronos, nuevas sensibilidades y técnicas artísticas y, en general, la transición entre el periodo medieval y los comienzos de la Edad Moderna.

El carácter distintivo de la pintura del renacimiento en general y en su periodo de apogeo consiste:

  • En la unidad de la composición, de la perspectiva, de la anatomía y morbidez muscular y de la belleza exterior física tendiendo a imitar la naturaleza con desenvoltura e inspirándose a la vez los artistas en las obras clásicas escultóricas.
  • Por razón de los asuntos, en la universalidad de ellos, dando mucha entrada a los mitológicos apenas tratados en la época anterior y cultivando singularmente el retrato y las historias. Y aunque no se olvidan los cuadros religiosos, carecen éstos por lo común de la idea y unión mística de la época precedente (sobre todo, en las Vírgenes o Madonnas) y hasta desvían con frecuencia el ánimo de la verdadera piedad. Aunque está plena de religiosidad, cada artista busca su propio estilo, en donde el retrato y la representación del paisaje tienen mucha importancia.
  • Por razón del procedimiento, se distingue en el abandono definitivo de los realces y dorados, en la predilección por los lienzos sin tabla y en la adopción casi exclusiva de la pintura al óleo, salvo las decoraciones murales al temple y al fresco.

La historia moderna de la pintura se inicia con los aportes de los maestros del Renacimiento. Florencia y Roma durante los siglos XV y XVI son la cuna de dicho movimiento que establecerá a través de la perspectiva, la proporción, la anatomía y el descubrimiento y uso del óleo, una manera de pintar realista o verista que no se había dado antes.

El Renacimiento surge en Italia y se va extendiendo progresivamente por Europa, con mayor o menor calado, según los países. Surgieron innumerables centros o escuelas de pintura, sobre todo, en Italia, influyéndose mutuamente unas en otras a pesar de sus divergencias. No existe unanimidad crítica a la hora de distinguir las aludidas agrupaciones de artistas ni es uniforme el estilo de los diferentes maestros, por lo que las escuelas se reúnen sólo geográficamente. 

La escultura del Renacimiento se entiende como un proceso de recuperación de la escultura de la Antigüedad clásica. Los escultores encontraron en los restos artísticos y en los descubrimientos de yacimientos de esa época pasada la inspiración perfecta para sus obras. También se inspiraron en la Naturaleza. En este contexto hay que tener en cuenta la excepción de los artistas flamencos en el norte de Europa, los cuales además de superar el estilo figurativo del gótico promovieron un Renacimiento ajeno al italiano, sobre todo en el apartado de la pintura

ARQUITECTURA GOTICA

La arquitectura gótica es la forma artística sobre la que se formó la definición del arte gótico, el estilo artístico, comprendido entre el románico y el renacimiento, que se desarrolló en Europa Occidental la —cristiandad latina— en la Baja Edad Media, desde finales del siglo XII hasta el siglo XV, aunque más allá de Italia las pervivencias góticas continuaron hasta los comienzos del siglo XVI.

El vocablo «gótico» es el adjetivo correspondiente a godo y fue utilizado en este contexto por primera vez por el tratadista florentino Giorgio Vasari (15111574), quien en su famosa obra de biografías de pintores toscanos, incluye varios capítulos sobre el arte en la Edad Media. En sentido peyorativo usó este término para denominar la arquitectura anterior al Renacimiento, propia de los bárbaros o godos, cuyos componentes le parecían confusos, desordenados y poco dignos, por contraste a la perfección y racionalidad del arte clásico. En su propia época, se solía denominar como opus francigenum (estilo francés), por referencia al origen de la innovación. Paradójicamente, en la España del siglo XVI se calificaba al gótico final (isabelino o plateresco) como la forma de construir a lo moderno, mientras que la arquitectura clasicista que introducía el renacimiento italiano era vista como una forma de construir a la antigua o a lo romano.

La arquitectura gótica puso especial énfasis en la ligereza estructural y la iluminación de las naves del interior de los edificios. Surgió del románico pero acabó oponiéndose a la masividad y la escasa iluminación interior de sus iglesias. Se desarrolló fundamentalmente en la arquitectura religiosa (monasterios e iglesias), teniendo su cumbre en la construcción de grandes catedrales, secular tarea en que competían las ciudades rivales; aunque también tuvieron importancia la arquitectura civil (palacios, lonjas comerciales, ayuntamientos, universidades, hospitales y viviendas particulares de la nueva burguesía urbana) y arquitectura militar (castillos y murallas urbanas).

Los dos elementos estructurales básicos de la arquitectura gótica son el arco apuntado u ojival y la bóveda de crucería, cuyos empujes, más verticales que el arco de medio punto, permiten una mejor distribución de las cargas y una altura muy superior. Además, la parte principal de estas son transmitidas desde las cubiertas directamente a contrafuertes exteriores al cuerpo central del edificio mediante arbotantes. El resultado deja a la mayor parte de los muros sin función sustentante (confiada a esbeltos pilares y baquetones), quedando la mayor parte de aquéllos libres para acoger una extraordinaria superficie de vanos ocupados por amplias vidrieras y rosetones que dejan paso a la luz.

La arquitectura gótica tuvo su origen en las regiones de Normandía e Isla de Francia, desde donde se difundió primero a todo el reino de Francia y posteriormente (ya a mediados del siglo XIII), sobre todo por la extensión del arte cisterciense y las rutas jacobeas, por el Sacro Imperio Romano Germánico y los reinos cristianos del norte de España (que durante ese periodo de la Reconquista se estaban imponiendo a los musulmanes del sur). En Inglaterra penetró pronto el estilo francés, aunque adquirió un fuerte carácter nacional. A Italia llegó tarde, no tuvo mucha aceptación, y su impacto fue muy desigual en las distintas regiones, y muy pronto fue sustituido por el Renacimiento.

La escultura gótica es el estilo escultórico que corresponde al periodo gótico del arte occidental, y por tanto se extiende desde finales del siglo XII a comienzos del siglo XV por la Europa Occidental cristiana.

La dependencia de la escultura gótica frente al soporte arquitectónico continúa siendo muy importante, como en el periodo románico, aunque se producen algunos cambios: los capiteles dejan de ser un espacio preferente para los relieves; las arquivoltas de los pórticos pasan de ser decoradas en sentido radial para serlo en el sentido de los arcos (ahora apuntados); el altar mayor pasa a acoger retablos cada vez más complejos, que pueden ser pictóricos o escultóricos (habitualmente de madera policromada, no hay que olvidar que la policromía acompañaba también a la escultura en piedra). Las esculturas de bulto redondo empiezan a independizarse de las paredes y a hacerse cada vez más autónomas. Las adosadas a las columnas y parteluces se hacen más esbeltas y dinámicas. Se considera a las del pórtico oeste (el llamado real) de la catedral de Chartres (hacia 1145) el ejemplo más temprano del gótico, y significaron una revolución en el estilo y un modelo para generaciones de escultores, que parecen provenir de la región de Borgoña.

La expresividad cambia, haciéndose menos hierática y más expresiva, reflejando sentimientos (dolor, ternura, simpatía), acentuando la tendencia del último románico (por ejemplo el Pórtico de la Gloria de la Catedral de Santiago de Compostela), y en coincidencia con una nueva mentalidad, más urbana y próxima a los conceptos filosóficos de hombre y naturaleza en la filosofía escolástica y la renovación de la espiritualidad (herejías medievales, San Francisco de Asís). En concreto la representación de las distintas escenas de la vida de Cristo se hacen desde una perspectiva más humana, con el fin de acercarlo a la experiencia vital de cada fiel: desde el Nacimiento hasta la Crucifixión. La representación de la Virgen María, sola o con el niño (como Madre de Dios o Theotokos), suele hacerse más femenina y maternal, mientras que en el románico solía reducirse a un mero trono donde Cristo se sienta para gobernar al mundo.

Todo lo anterior podría decirse igualmente de la pintura de su época (ambas artes plásticas son en gran medida coincidentes, en ambos casos limitados al arte figurativo). En cuanto a la temática de ambas, sigue siendo casi exclusivamente religiosa, aunque es posible encontrar algunas manifestaciones que no lo son del todo, como retratos, paisajes… a diferencia del románico, en que el monopolio de la temática religiosa es aún más claro. En Alemania aparecerá por primera vez desde la Antigüedad clásica una escultura ecuestre de bulto redondo, el Jinete o Caballero de Bamberg (1240, catedral de Bamberg).

En cambio, el arte cisterciense, una de las corrientes espirituales y estéticas que representan la esencia del gótico inicial (basada en las ideas de Bernardo de Claraval), es un movimiento casi iconoclasta, pues rechaza la utilización de esculturas y pinturas en los monasterios (aunque las justificaba en las parroquias).

PINTURA GOTICA

La pintura gótica, una de las expresiones del arte gótico, no apareció hasta alrededor del año 1200, es decir, casi 50 años después del comienzo de la arquitectura y la escultura góticas. La transición del románico al gótico es muy imprecisa y no hay un claro corte, y podemos ver los comienzos de un estilo que es más sombrío, oscuro y emotivo que en el periodo previo, a principios del siglo XIII. El impulso decisivo de esta pintura realista cristiana se produjo en la Italia septentrional de finales de siglo. Diseminándose por el resto de Europa, el periodo gótico se extendió durante más de doscientos años.La característica más evidente del arte gótico es un naturalismo cada vez mayor, frente a las simplificadas e idealizadas representaciones del románico. Se considera que esta característica surge por vez primera en la obra de los artistas italianos de finales del siglo XIII, y que marcó el estilo dominante en la pintura europea hasta el final del siglo XV. La pintura gótica se aproxima a la imitación a la naturaleza que será el ideal del renacimiento, incluyendo la representación de paisajes, no obstante, sigue siendo poco usual. Se desprende de los convencionalismos y amaneramientos bizantinos y románicos, pero no toma como ideal de belleza el arte griego ni romano antiguo. Por lo mismo, aunque dicha pintura es un verdadero renacimiento, se distingue de la propiamente llamada del Renacimiento clásico en que no cifra, como ésta, su perfección en la belleza de las formas exteriores (que, aun sin descuidarlas, resultan, a veces, algo incorrectas en la pintura gótica) sino, sobre todo, en la expresión de la idea religiosa y en dar a las figuras cierto sabor místico y eminentemente cristiano. A pesar de ello, también ha de decirse que es en este momento en el que comienza la pintura profana, esto es, la pintura en que los temas ya no son siempre religiosos.

ARTE ETRUSCO

La escultura etrusca estuvo dedicada casi en exclusiva a fines religiosos y funerarios.

 Utilizaban la piedra, sus obras más representativas se realizaron en bronce y terracota, arcilla modelada y cocida en un horno.

 Su principal aportación a la escultura romana será el realismo de sus retratos.

   El Sarcófago de los esposos, de finales del siglo VI a.C., es el más conocido. En él una pareja de difuntos, semiacostados en un triclinium, departen con sus invitados, tal como hacían en vida.

estatuas de bulto redondo, de terracota las que adornaban los tejados de los templos y  de bronce, principalmente, los retratos honoríficos.
 
ÒInfluencia griega.
ÒRelacionada con el mundo funerario.
ÒLa técnica es al fresco; los colores son planos y vivos; los fondos son lisos y sobre ellos se recortan las figuras, en las que predomina el dibujo; aparece la vegetación, aves, etc.; no existe perspectiva, se trata de una pintura bidimensional; se busca el movimiento.
 
 
 
ARTE MICENICO
Ya a partir del 2000-1600 se sabe de su existencia, pero es el s. XIV a.C. su momento de mayor esplendor.

Micenas se encuentra en el Peloponeso, en un lugar de paso, por lo que llegaron numerosas influencias, nuevas ideas, etc.

Está situada sobre un montículo por lo que la muralla no fue necesaria por todos los lugares. Esta muralla era ciclópea.

Fuera de la muralla hay algunas construcciones y algunas tumbas, aunque también hay tumbas en el interior. Hay varias puertas menores, aunque sólo una importante, la puerta de los leones.

Hay una avenida que asciende en rampa hasta la parte superior de la ciudad donde está el palacio y restos que podrían pertenecer al megaron. A la izquierda, junto a la muralla, estaría un lugar para la guardia y a la derecha tumbas regias.

La Puerta de los Leones
La puerta de los leones es la gran entrada a la ciudad y es muy interesante porque es el único lugar donde hay arquitectura monumental. Está fechada aproximadamente en torno al 1250 a.C. (s. XIII). El vano está formado por un dintel de una sola piedra muy grande y unas jambas. La decoración es también una pieza constructiva, ya que es un triángulo de descarga.

Aparecen dos leones afrontados apoyando las patas delanteras sobre un pequeño podio de manera que están ligeramente levantados adaptándose a la forma del triángulo. Entre ellos hay una columna que parece que están adorando y que tiene un claro simbolismo. Además, tiene las mismas características de las columnas cretenses. En la parte superior, sobre el capitel aparece una decoración de roleos, recuerdo de las vigas que terminaban de forma redondeada. Es una decoración simétrica en torno al eje central que es la columna. Los leones se encuentran muy deteriorados, pero se ve un estudio de la anatomía. Es un altorrelieve. La decoración sólo da al exterior, al interior del triángulo está liso.

El Tesoro de Atreo
En Micenas es donde se han encontrado las tumbas más interesantes. La población más pobre tenía simplemente una fosa excavada en el suelo.

Había otras tumbas excavadas en la roca a modo de hipogeo pero las más interesantes son los tholoi, que ya se habían dado en Creta pero que aquí se desarrollan y son más importantes. También son llamadas tumbas de falsa cúpula, por estar formadas por aproximación de hiladas.

Había muchas, pero la más característica es el Tesoro del Atreo, llamada así porque se pensó que tenía un tesoro, pero es sólo una tumba aunque sí tendría ajuar. Hay quien dice que era la tumba de Agamenón. Recuerda a la tumbas de corredor.

Consta de un corredor denominado dromos de unos 36 m. de largo y 6 de ancho aproximadamente. Al final de éste hay un estrechamiento tras el que se abre un recinto circular que es la cámara o tholos. Comunicado a esta cámara hay un recinto más irregular que es la cámara de enterramiento. El tholos tiene unos 14 m. de diámetro, estaba realizado en piedra y su cúpula por aproximación de hiladas. Parece que estaba decorada con rosetas de bronce imitando el cielo. Toda esta estructura está recubierta de tierra y al exterior sólo se ve un montículo.

Al final del corredor hay un gran dintel con un triángulo de descarga que en este caso está vacío, pero que en su día sí tendría recubrimiento. Hasta el s. XIX todavía quedaban algunos restos de este recubrimiento. Parece ser que la puerta estaba franqueada por dos columnas de mármol verde veteado o trabajado con decoración o quizás de otro material pintado.

Tapando el triángulo de descarga había unas placas también de mármol y una fila de róleos. El vano se cerraba con puertas de bronce de las que hoy ya no queda nada.

Tirinto

Tirinto también se encontraba en el Peloponeso. Es una ciudad de estructura totalmente distinta. Se desarrolla en sentido alargado y está totalmente amurallada. Se encuentra ligeramente en alto.

La ciudad está estructurada en tres terrazas, en la superior se encuentra el palacio. La puerta principal también se hace en ángulo. Está precedida por unos propileos como los que se van a ver después en la Acrópolis de Atenas.

El megaron se abre a un patio al que se accede por unos propileos. En el patio había un altar. El megaron está formado por una estructura cuadrada con un hogar circular en el centro y cuatro columnas que sujetan la estructura dejando un hueco en el centro. Tenía una sola entrada. La sala cuadrangular estaba precedida por un pórtico y a veces entre este pórtico y la sala cuadrada se añade una antesala. Detrás de la sala hay un espacio abierto separado por una muralla del resto de la ciudad.

La muralla que rodea a la ciudad es doble, cerrada por arriba con una falsa bóveda por aproximación de hiladas y por un lado está cerrada pero por el otro tiene aberturas para poder disparar y defenderse desde allí. Sólo se conserva una parte.

En Tirinto se encontró un fresco de una mujer oferente, uno de los mejores ejemplos de la pintura micénica. Ésta es muy semejante a la minoica, cambiando fundamentalmente en sólo tres aspectos: los temas, de los que algunos continúan, pero también aparecen temas de guerra y caza, los colores, muy vistosos, y se acentúan algunas formas como los adornos, los peinados, etc. A parte de eso, la técnica es la misma, los trajes son iguales, se marcan las líneas con negro, los fondos son lisos y las cenefas muy similares.

Pilos
La ciudad de Pilos es distinta a las demás. Es más rectangular.

También hay muralla y en el interior se ha encontrado un palacio, según algunos estudiosos: el palacio de Néstor.

Además se ha conservado el megaron que es la parte más importante del palacio. Se han encontrado basas con restos de haber soportado columnas estriadas, por lo que serían un antecedente de la columna dórica.

La pintura en esta ciudad presenta escenas de caza y guerreras. Las figuras de esta escena no tienen talle de avispa ni son tan estilizadas, pero hay representado un gran movimiento. También se ha encontrado en esta ciudad una bañera de terracota adornada con decoración pintada con una cenefa geométrica en el interior.

Cerámica Micénica

Es totalmente distinta a la cretense y peor conservada.

Hay vasijas de distintos formatos. Sobre fondo claro se dibujan las figuras y presenta temas distintos. Un cortejo de guerreros es despedido por una mujer. Es muy interesante porque muestra una vestimenta que se verá en épocas más tardías.

Las figuras están proporcionadas y totalmente delimitadas por una línea negra. Hay un gran detallismo. Predominio de tonos ocres y negros.

Orfebrería Micénica

Destaca la máscara de Agamenón. Es una máscara que se ponía sobre los muertos, por lo que tiene los ojos y la boca cerrados y está hueca.

Trata de representar unos rasgos específicos de un personaje real (bigote, cejas, boca apretada…). Tenían una textura lisa aunque ha sufrido daños y golpes.

ARTE CRETENSE

Arquitectura Cretense

En la arquitectura cretense hay una serie de características que se van a dar en toda construcción:

  • Arquitectura arquitrabada, que termina en terrazas. Probablemente sí conocían la doble vertiente pero no era necesaria por el clima de la zona.
  • Los muros estaban realizados con mampostería y piedra, como refuerzo, que se va a enlucir, permitiendo la realización de pinturas en el interior.
  • El suelo podía ser de dos maneras: a base de tierra batida o con losas de piedra.
  • Los soportes fundamentales son el pilar y, sobre todo, la columna, que será muy característica: normalmente de madera policromada, aunque también podía ser de otros materiales, pero no piedra. El fuste era o liso o estriado, pero en todo caso la parte inferior era menos ancha que la superior. Podía tener basa o no. El capitel estaba formado por dos partes: una montura convexa y grande y un dado aplastado, por lo que se le considera antecedente del capitel dórico, aunque mucho más vasto.
  • La techumbre adintelada estaba formada por vigas de madera decoradas de manera que formarán frisos. Esto también será imitado por los griegos.

Se han conservado ciudades, algunas se han podido excavar, pero lo interesante de ellas es su carácter abierto, sin murallas ni torreones. Una de las más importantes es Gurnia, en Creta, o Akrotiri que se encuentra muy bien conservada, con edificios levantados con pinturas. Las casas no eran demasiado complicadas, generalmente de dos pisos. En las más ricas se han encontrado pinturas. Se han hallado maquetas de casas en santuarios como ofrendas que nos permiten saber cómo eran. Las más importantes fueron las villas campestres que se han encontrado, pues pertenecían a los más poderosos.

No hay templos, aunque sí santuarios, lugares sagrados de carácter abierto en colinas o montañas. También había grutas sagradas y oratorios, estos últimos encontrados en los palacios, de carácter privado. En estos oratorios se han encontrado estatuillas y lo que parece que eran altares.

La arquitectura funeraria es muy interesante. Hay múltiples tipos de enterramiento, aunque ninguno muy complicado. Algunos sólo están excavados en la roca con pequeñas cámaras. Los tholoi son cámaras circulares cubiertas con una falsa cúpula que van a ser precedentes de los micénicos, que son más significativos. Los tholoi cretenses son más pequeños.

Otro tipo de enterramiento es la tumba de edificio, que recuerda a una casa. Tiene forma rectangular y varias habitaciones, en una de ellas es donde se realizarían los distintos ritos. En todos estos tipos de enterramiento se ha encontrado un ajuar y sarcófagos. Estos pueden ser en forma de bañera o rectangulares que descansen en cuatro patas con una tapadera. Están hechos de terracota policromada.

La forma más importante de arquitectura son los palacios. Todos tienen parecida estructura pero sin someterse a un esquema determinado. Constituyen verdaderos complejos que tienen distintas reconstrucciones y ampliaciones. Los más importantes son el de Knossos, Faistos, el palacio o villa de Hagia Triada y el de Malia. Estos palacios tienen unas notas comunes:

  • Están construidos en colinas o lugares elevados.
  • Tienen un carácter abierto.
  • Son muy funcionales: tienen la casa del rey, la casa de los nobles, etc., todo ello totalmente compartimentado.
  • Independencia económica.
  • Suelen estar orientados de norte a sur y organizados en torno a un gran patio central. Hacia el oeste se disponen las estancias de carácter público o administrativo y al este de disponen las habitaciones de carácter privado.
  • Todos ellos dan una sensación muy laberíntica, con un trazado asimétrico y ocupando grandes espacios.
  • Tienen dos o tres plantas, a veces incluso cinco. Todas ellas terminan en terraza. Al tener varias plantas se originan los llamados “pozos de luz”, que sirven para iluminar y ventilar.
  • Las habitaciones denotan una forma de vida de lujo y refinamiento. Están decoradas con pintura y se han descubierto habitaciones privadas con baños y retretes. Las tuberías eran de cerámica.
  • Los vanos son de piedra.
  • Fuera del palacio, pero junto a él, se encuentra el área teatral. Nos sabemos cuál era su función, pero se supone que allí había actos religiosos o juegos como el salto del toro (la taurocatapsia). Se consideran no por su forma pero sí por su función y su división en gradas como precedentes del teatro griego.
  • Algo alejadas se encuentran las villas señoriales, que teniendo el mismo esquema son más pequeñas

ESCULTURA GRIEGA

Escultura Griega
La escultura de la Antigua Grecia alcanzó el ideal de la belleza artística hasta donde pudo llegar por sí solo el ingenio humano. Aunque Grecia floreció en todas las Bellas Artes, ninguna le distingue tanto como la escultura.

Cultivó el arte de la Antigua Grecia todos los géneros de escultura, adoptando con predilección el mármol y el bronce como material escultórico y tomando como asuntos principales los mitológicos y los guerreros a los cuales añadió en su última época el retrato de personajes históricos.

Forman su característica en los mejores tiempos del Arte (los de Fidias) la expresión de la realidad idealizada, la regular proporción orgánica, el alejamiento de lo vago y monstruoso, la precisión en los contornos y detalles, la armonía y belleza en las formas y la finura en la ejecución.

PINTURA GRIEGA

žCon anterioridad a la formación del arte griego hubo en territorios de la antigua Grecia un arte que se ha llamado prehelénico, conservadas tan sólo en ruinas de edificios de la época y sobre estuco, representando paisajes, acciones guerreras y ceremonias cortesanas o religiosas cuyas figuras aunque imperfectas revelan notable expresión y vida. En las decoraciones de vasijas se presenta raras veces la figura humana y siempre estilizada y de escasos detalles.
žEn cuanto a la pintura griega, su celebridad y la de sus artistas se debe casi por entero a los antiguos historiadores pues no se conserva de ella ni un solo cuadro ni se conoce obra alguna de los famosos considerados desde la antigüedad los pintores por antonomasia
žLas obras pictóricas griegas que al presente se conocen y conservan consisten únicamente en decoraciones de ánforas y de otras elegantes vasijas salvo algunos mosaicos de pavimento y placas de arcilla pintadas y sin contar las obras de pintura romana en que intervino mano griega
žConsta, no obstante, que los griegos pintaron cuadros excelentes, por lo menos murales (cuyas copias pueden ser algunas decoraciones de las grandes ánforas de lujo) y que emplearon los procedimientos al fresco, al encausto, al temple y quizás al óleo.
Los asuntos representados en tales pinturas fueron escenas de la vida humana y tradiciones o leyendas mitológicas y heroicas
La pintura griega se divide en tres periodos (después del cretense y micénico ya nombrados que pueden considerarse como protohistóricos respecto de Grecia)a saber:
žEl de formación y arcaico que dura hasta el siglo V a. C.,
žEl de elegancia nacional, durante el siglo V a. C. y parte del IV a. C.
žEl alejandrino o de difusión desde mediados del siglo IV a. C. hasta dos siglos más tarde en que fue Grecia conquistada por los romanos.

Pintura Romana:
En la pintura romana influyo decisivamente el arte griego, ya que ya desde la época de César llegaron pinturas griegas que arrancaban de las paredes y se llevaban a Roma.

Al igual que otras artes, la pintura en Roma tenían una finalidad práctica: decorar las casas y palacios.

La pintura mural se realizaba con la técnica del fresco, aunque también se discute que en algunas ocasiones se utilizaran técnicas mixtas. Para la pintura sobre tabla se utilizaban las técnicas al temple y a la encáustica. La gama de colores era amplia, ya que a la del mundo griego y egipcio se les suman algunos colores más. Destacan el negro, el blanco, el rojo y el amarillo, aunque a veces también se utilizaron verdes, azules y violetas. La pintura romana se clasifica en cuatro estilos a partir del siglo XIX y fueron establecido en base a las pinturas conservadas en Pompeya.

  • Fresco
  • Templete
  • Encáustica

La pintura romana se clasifica en cuatro estilos a partir del siglo XIX y fueron establecido en base a las pinturas conservadas en Pompeya.

Escultura Romana:
En la escultura romana es clara la influencia helénica, particularmente en las de carácter religioso, y también la influencia etrusca, sobre todo en el realismo del retrato.

En los temas mitológicos encontramos fundamentalmente copias de obras griegas.

El retrato es la aportación romana más original a la escultura. Su origen está en una antigua práctica funeraria de culto a los antepasados, que era la de crear “imagines maiorum”.

  1. Periodo Republicano:En los retratos de época republicana la escultura romana es de gran realismo, con los rasgos faciales muy acentuados, la escultura consiste en un busto corto, que sólo representa cabeza y cuello. Los hombres llevan el pelo corto.
  2. Retratos Imperiales: En el retrato de cuerpo entero de los emperadores del Alto Imperio encontramos tres versiones.

Arquitectura Romana:

ž  La finalidad de su arquitectura es exaltar el poder y la imagen del estado caracterizada por:

-Una gran unidad estética.
-Un gran desarrollo de las ciudades y por lo tanto de la arquitectura urbana.
-Un aumento en la ornamentación de los edificios (molduras, girnaldas,…)
-El utilitarismo y solidez: los puentes, carreteras, arcos de triunfo, calzadas y acueductos aun podrían utilizarse pese al tiempo transcurrido (y de hecho algunos se siguen utilizando).
-La utilización de nuevas técnicas y nuevos materiales: frente al carácter
adintelado , empleó nuevas técnicas con elementos ya conocidos, como el arco, la bóveda y la cúpula que conviven con las formas adinteladas.
-También utilizaron un el orden toscano (etrusco) que está inspirado en el dórico y en el la columna tiene basa y un fuste liso. Y el uso del orden corintio.

En esta arquitectura se potencia la perspectiva, en Roma cuenta la simetría. También la verticalidad constituye una novedad. Los materiales fueron: la piedra, el hormigón y el ladrillo. Unas veces se servían de piedras irregulares, sujetas con mortero (opus incertum o mampostería). También les daban forma de pirámide de base cuadrada, con lo cual, al embutirlas en la pared, se formaba una especie de retícula (opus reticulatum).Pero es el aparejo de sillares (opus cuadratum) el más importante. El hormigón (opus caementicium) o cemento, se fabricaba con una mezcla de agua, arena, cal y guijarros, determinando al secarse una masa sólida, indestructible. Empleadas para las bóvedas. El ladrillo (opus lateritium) constaba de grandes piezas rectangulares y de poco grosor. Por último El opus mixtum, consistía en disponer capas alternadas de ladrillos y piedra.
La arquitectura romana es esencialmente civil y militar; se enfocaban en lo funcional.

Pintura Paleocristiana:
La pintura paleocristiana o latino-cristiana se desarrolló durante el Imperio romano, por lo que puede considerarse cronológicamente dentro de la pintura romana; sin embargo, por su temática y características, supone la iniciación de la pintura medieval.

Siendo Roma el centro del cristianismo ya desde los comienzos de la Iglesia es fácil deducir que debía ser romano el arte de que se sirvieron los cristianos en los primero siglos para la manifestación de sus ideales. Para ello, adoptaron la pintura con preferencia a la escultura por ser aquélla de más fácil ejecución y por ofrecer menos semejanza con los ídolos del paganismo. Durante los primeros siglos se ocupó el pincel cristiano en decoraciones y pinturas simbólicas más que en verdaderas imágenes veneradas siguiendo la disciplina del arcano o del secreto que vedaba la manifestación pública de algunas verdades católicas y que llegó hasta suprimir la representación de toda imagen cuando las circunstancias lo exigieron como aparece por el famoso canon del Concilio de Elvira o Ilíberis.

La pintura paleocristiana se extiende hasta el siglo VI en que comienza el estilo bizantino. Con las influencias de éste se forma en Occidente el «latino-bizantino» que se llama románico desde el siglo XI. Pero en la segunda mitad del siglo XIII surge la restauración italiana con maneras que se dicen góticas para transformarse en perfecto renacimiento con mayor belleza de formas a partir del siglo XV.

Dentro del período paleocristiano cabe mencionar en primer lugar los frescos de las catacumbas y desde la paz de Constantino sus composiciones al mosaico y también el fresco de las basílicas. Unas y otras ofrecen un altísimo valor por parte de la idea que envuelven aunque por su técnica y ejecución artística disten generalmente de ser modelos.

Los asuntos de las composiciones pictóricas siempre sencillas en las catacumbas son por lo común bíblicos ya históricos ya simbólicos y rarísima vez se observa que se tome como símbolo algún motivo pagano a pesar de que los primitivos artistas debieron poseer una cultura naturalmente pagana y vivían en medio del paganismo que les suministraba formas y emblemas para revestir los nuevos conceptos cristianos.

Arte paleocristiano:
Se denomina arte paleocristiano al estilo artístico que se desarrolla durante los cinco primeros siglos de nuestra era, desde la aparición del cristianismo, durante la dominación romana, hasta la invasión de los pueblos bárbaros, aunque en Oriente tiene su continuación, tras la escisión del Imperio, en el llamado arte bizantino.

En Occidente, Roma es el centro y símbolo de la cristiandad, por lo que en ella se producen las primeras manifestaciones artísticas de los primitivos cristianos o paleocristianos, recibiendo un gran influjo del arte romano tanto en la arquitectura como en las artes figurativas. Lo mismo que la historia del cristianismo en sus primeros momentos, en el arte se distinguen dos etapas, separadas por la promulgación del Edicto de Milán por Constantino en el año 313, otorgando a los cristianos plenos derechos de manifestación pública de sus creencias.

1-Se limitan a evocar un pequeño número de figuras y de diversos objetos.

2-La variedad de colores es limitada.

3-Es una pintura, que más de figurar, sugiere.

4-Las figuras se dirigen al espectador (normalmente están de frente, sin embargo no es lo mismo que frontalidad).

5-La esencia de la divinidad es imposible de representar. (resulta difícil encontrar representaciones divinas-Dios) A partir del s. IV podremos encontrarnos algunas representaciones.

6-Desde un punto de vista formal: a-perspectiva jerárquica o jerarquización de las figuras. (las figuras más importantes son las más grandes) b-perspectiva inversa. (las figuras que están detrás son más grandes) c-desproporción. Interés en el gesto. d-desnudo excepcional. (a medida que evolucionó el arte, las figuras aparecen más tapadas).

Pintura bajo el esquema Bizantino

Formada en Constantinopla, fijó su carácter desde los comienzos del siglo VI y se sirvió casi exclusivamente del procedimiento al mosaico en muros y cuadritos y de miniaturas sobre pergamino.

La técnica bizantina se caracterizó principalmente por la regularidad en el dibujo, buena composición y excelente manejo del color. Se afirma que este estilo se estancó y llegó a caer en la monotonía.

Los elementos decorativos de los cuadros o composiciones consisten de ordinario en perlas, cintas, series de joyas, guirnaldas y grecas.

Abarcó aproximadamente los años 500 a 1500 de la era cristiana. El arte bizantino albergó la herencia grecolatina y la enriqueció incluyendo en ella características orientales.

Arquitectura Bizantina

Se denomina arquitectura bizantina al estilo arquitectónico que estuvo vigente durante el Imperio bizantino (Imperio romano de Oriente) desde la caída del Imperio romano de Occidente en el siglo V.
La capital del Imperio de Oriente era Constantinopla (Constantinopolis o ciudad de Constantino), cuyo nombre anterior fue Bizancio y, actualmente, Estambul, y ello desde el año 330, momento que otros autores fijan como el inicio de la arquitectura bizantina.

Las zonas de mayor presencia de la arquitectura bizantina se corresponden con los territorios de las actuales Turquía y Grecia, sin olvidar Bulgaria, Rumania y amplias partes de Italia, junto con Siria y Palestina.

Algunas de las características distintivas de la arquitectura bizantina son, además de la forma ya indicada de las cúpulas, el uso del ladrillo como material constructivo en sustitución de la piedra, el uso masivo de los mosaicos como elemento decorativo en sustitución de las esculturas, la mayor elevación de los edificios como resultado del realce de las cúpulas, y el hallazgo de un sistema que permite conjugar el uso constructivo para las dichas cúpulas de un soporte de planta cuadrada pero que permite el remate mediante un tambor en una cúpula redonda, en muchas ocasiones con prolongación de un alero ondulado.

*Periodos;
En el período inicial o Primera Edad de Oro, cuyo momento de plenitud se corresponde con la época del emperador bizantino Justiniano I, en el siglo VI, fue cuando se realizaron las más grandiosas obras arquitectónicas que ponen de manifiesto los caracteres técnicos y materiales del estilo arquitectónico, así como el sentido constructivo que caracteriza el arte bizantino de este período.

El período intermedio, o Segunda Edad de Oro del arte bizantino, se caracteriza por la predominancia de las iglesias de planta en cruz griega con cubierta de cúpulas realzadas sobre tambor y con una prominente cornisa ondulada en la base exterior.

A este esquema compositivo corresponden, por ejemplo, la catedral de Atenas, la iglesia del monasterio de Daphni, que usa trompas en lugar de pechinas, y los conjuntos monásticos del Monte Athos en Grecia.

El período final o Tercera Edad de Oro abarca el lapso de tiempo comprendido entre los siglos XIII y XV, coincidiendo con las dinastías de los Comnenos y los Paleólogos; en él predominan las plantas de iglesias cubiertas mediante cúpulas abulbadas sobre tambores circulares o poligonales.

Arte Carolingeo:

Se llama carolingia a la época iniciada por el rey Carlomagno, que fue investido con la dignidad de Emperador de los romanos por el Papa León XIII en el año 800.
La arquitectura carolingia no constituye un estilo determinado sino un renacimiento o restauración de la arquitectura, al igual que otras artes, debida al empeño de Carlomagno por el fomento de la cultura cristiana.

El emperador fijó su residencia en Aquisgrán (hoy, Alemania) proponiéndose convertirla en la cuarta Roma. Reunió a este fin arquitectos y sabios de todas clases, Llamó a artistas de Rávena, de donde sacó también columnas y mármoles que, junto con despojos de otras construcciones del imperio, utilizó para sus obras.

Escultura Bizantina:

La escultura bizantina es de dos tipos: enorme o pequeña,

Las estatuas grandes son de piedra (mármol, etc.).

Las pequeñas son relieves organizados en dípticos portátiles hechos de marfil.

Contrariamente a la tradición romana, cuida poco las semblanzas. Las esculturas son frontales, hieráticas y formales. Los ojos, grandes y mirando hacia lo alto, pretenden trasmitir inquietudes trascendentales.

La figura humana en el imperio bizantino fue fuertemente vedada debido a que parte de la iglesia de oriente se opuso a cualquier representación de escenas o personajes sagrados. Esta postura llevó al comienzo de la iconoclasia en el año 726, cuando el emperador León III ordenó la destrucción por todo el imperio no sólo de los íconos, sino de todas las representaciones religiosas donde apareciera la figura humana. Únicamente el territorio bizantino de Italia se resistió a esta  norma.

las imágenes religiosas sólo se aceptaban si la figura humana no se representaba como una presencia física tangible. Los artistas bizantinos resolvieron este problema por medio de la abstracción, es decir, por medio de diseños planos que conservaran el interés visual de la composición mientras evitaban cualquier modelo concreto y con ello cualquier apariencia corporal. De este modo establecieron convencionalismos para la representación de la figura humana que perduraron en el  arte bizantino.

Es característico del arte bizantino el espacio sumamente reducido, se anula el espacio, resaltando las figuras sobre fondos lisos, se unen entre sí sin perspectiva, quietas en sus gestos mecánicos.

Arte Visigodo:     

Los visigodos se hacen presentes en España a principios del siglo V, un siglo después se consolidan como un reino hispano-visigodo.

Los visigodos se asientan en la Península Ibérica, y sus manifestaciones artísticas arquitectónicas se producen hasta el siglo VII, a partir de aquí se le llama arte visigodo.

*arquitectura;
Del siglo VI, solo cabe mencionar los templos “estilo de repoblación” (mal llamados mozárabes), en esta época se sigue básicamente la tradición paleocristiana en la arquitectura.

La España visigoda poseía un arte propio y nacional distinto del de otros países. No son muchas construcciones visigodas que subsisten, lo que se ve actualmente son, ermitas o templos rurales de segunda categoría.

Los principales elementos componentes de la arquitectura visigoda pueden fijarse de este modo para las iglesias propiamente dicha:

*Plano de Basílica , con tres naves y un ábside cuadrado en el cual se elevaba el altar único.

*Columnas exentas y monolíticas para dividir las naves y , alguna vez , para lo mismo , pilastras sencillas.

*Capiteles  de orden corintio o compuesto degenerados y con escultura de poco relieve.

*Arcos de herradura y también de medio punto y peraltados.

Arte Mozarabe:

Mozarabo referido a una persona o individuo seria el cristiano hispánico que vivió en territorio musulmán en el periodo que abarca desde la invasión árabe (711) hasta finales del siglo XI.

Conservando su religión y una cierta autonomía eclesiástica y judicial. Inicialmente puede decirse que lo fueron todos los habitantes de la península ibérica, pues todos ellos quedaron sometidos al poder musulmán y todos, con excepción de las aljamas judías, la religión cristiana.

Las comunidades de mozárabes mantuvieron para la practica de sus ritos religiosos algunos de sus templos visigodos anteriores a la ocupación musulmana y raramente construyeron otros nuevos, pues, si bien existía una determinada tolerancia religiosa, estaban  muy limitadas las autorizaciones para erección de nuevas iglesias.

A su cultura hispano goda  se le fueron superponiendo elementos de la musulmana y es de suponer que aportasen a los recientes reinos cristianos elementos innovadores en todos los hábitos, lo que no resulta razonable es  que se les atribuya toda la iniciativa artística llevada a cabo en los reinos del norte durante el siglo X.

Pero la actividad artística, en general y, arquitectónica, en especial, no se redujo a esa zona ni a ese siglo, si no que abarco todo el norte peninsular y tuvo continuidad durante el siglo siguiente.

Arte Asturiano:

Las características que identifican al arte asturiano son:
-el sillarejo, la mampostería y el ladrillo en los muros, reservando los sillares para las esquinas y -los elementos de refuerzo.
-el arco de medio punto, la bóveda de cañón, reforzada mediante arcos fajones .
-el muro compuesto
-Arquerías ciegas y estribos .
-Decoración: pinturas al fresco de temática diversa.
-Basas decoradas, Fustes sogueados  y capiteles  enriquecidos, todo ello para realzar las columnas.
-Planta basilical  de tres naves  con ábsides de trazado rectangular, siendo el central el más amplio.
-Ábside central, parte superior  una cámara del tesoro abierta al exterior por una ventana sin comunicación interna.
-sistema de contrarrestos o contrafuertes, ejemplo en San Miguel de Lillo.

*Etapas

El tipo latino y el tipo bizantino. Admiten columnas y pilastras y también semicolumnas adosadas al muro y trabadas con arcos, formando así el muro compuesto y preludiando el pilar compuesto de la arquitectura románica el cual aparece ya completo en la arquitectura mozárabe del siglo X.
Arcos de medio punto y peraltados , contrafuertes o estribos exteriores.
Cancelas o antepechos de  piedra ingreso del ábside llamada iconostasis.

Arte Otoniano:

A este florecimiento de las artes se le ha llamado también “Renacimiento otoniano“.
El arte otoniano funde tres tradiciones: las de la antigüedad tardía especialmente en el arte del norte de Italia, el período carolingio, y bizancio. Este renacimiento de las artes y la arquitectura se produce bajo el patronazgo cortesano de Otón I de Alemania (936–973).
El “renacimiento otoniano” se manifiesta especialmente en las artes y la arquitectura, revitalizadas por el contacto renovado con Constantinopla, en la reviviscencia de algunas escuelas catedralicias, como la de Bruno I, arzobispo de Colonia, y en la producción de manuscritos iluminados, la principal forma artística de la época, de un puñado de scriptoria de élite, como Quedlinburg, fundado por Otón en 936 y en la ideología política.
Las abadías imperiales y la corte imperial se convirtieron en centros de vida religiosa y espiritual, guiados por el ejemplo de mujeres de la familia real.

El arte otoniano fue un arte cortesano, creado para confirmar la existencia de un vínculo entre los emperadores y los gobernantes cristianos de la antigüedad tardía, como Constantino, Teodorico y Justiniano, así como con sus predecesores carolingios, en particular Carlomagno.

*Pintura;
La pintura otoniana se considera como un renacimiento, en las que existen los paisajes, los motivos arquitectónicos y los retratos de emperadores.

Tres fuentes;tradicion caroligia, imágenes imperiales, composicion monumental, tratamiento de la concepcion espacial y elementos simbolicos del poder imperial; influenzia bizantina, ya sea como supervivencia directa o influjo directo; estilo francosajon, sentido narrativo, y formas abstractas fantasticas, meramente ornamentales.

*Arquitectura;
Su arquitectura abarca desde mediados del siglo X hasta mediados del siglo XI. Viene precedida por la arquitectura carolingia y seguida por el románico, por lo que presenta cierta continuidad con el arte carolingio y anticipa soluciones posteriores.
Entre las innovaciones de esta arquitectura se encuentra la elaboración y uso más amplio de galerías o tribunas, así como la alternancia en los soportes (pilares y columnas) según dos modelos: en el renano se alternan pilares y columnas, y en el sajón aparecen dos columnas entre los pilares.

*Escultura;
No se produce escultura monumental, sino pequeñas esculturas en marfil y metal, principalmente bronce, embellecidas con gemas, esmaltes, cristales, y camafeos. En estas obras se funden las técnicas e iconografía bizantinas con el expresionismo típico del mundo germánico.

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